DIEZ PINTORES QUE ELIGIERON EL SUICIDIO|SUS ULTIMAS OBRAS.

#DanielOtero#LuzDeCiudad#JardinDelicias. – Vemos en este post, aquellos #Pintores los cuales  han fallecido y han dejado una obra maestra final tentadoramente inacabada, eligiendo el #Suicidio como fin de sus males. Aún más interesante, aunque ligeramente morbosas, son las últimas obras de artistas que se quitaron la vida. Algunas de esas obras parecen insinuar los pensamientos oscuros que consumen a su creador, mientras que otras parecen irónicamente serenas y pacíficas en relación con el sufrimiento interno del artista.#LopezClaro

CHRISTOPER WOOD

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“Zebra And Parachute” fue una de las dos pinturas que Christopher Wood produjo en París en el verano de 1930, y la otra fue “Tiger And Arc De Triomphe”. Ambas pinturas representan una imagen surrealista de un animal exótico sobre el telón de fondo de una estructura hecha por el hombre, aunque Zebra And Parachute es único en el sentido de que agrega una figura de paracaidismo en el cielo. Puede ser oscuramente significativo que el paracaidista esté flojo y parezca estar muerto o gravemente herido. Después de dejar París para Inglaterra en agosto de 1930, Wood conoció a su madre en Salisbury para mostrarle sus obras más recientes, entre ellas Zebra And Parachute . Trágicamente, Wood sufría los efectos de la abstinencia de opio, lo que causaba paranoia y la creencia de que una misteriosa entidad lo seguía. En un intento desesperado de escapar de su perseguidor imaginario, Woods saltó frente a un tren ese mismo día. Para evitar molestar a su madre, la muerte a menudo se refiere como accidental por la prensa contemporánea.

JOHN GODWARD

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A lo largo de su carrera de 40 años, John Godward raramente se desvió de pintar mujeres hermosas con túnicas. Este estilo lo hizo famoso y a menudo fue alabado por representar el movimiento ondulante de la ropa clásica con una precisión increíble. Pero sus pinturas no fueron éxitos críticos universales, y muchos descartaron sus retratos idealizados e históricamente inexactos como ” victorianos en togas “. Su propia familia despreciaba su elección de carrera y lo desheredó después de que se mudó a Italia en 1912, destruyendo todas las fotografías que recordaban ellos de su existenciaEn su vejez, Godward produjo cada vez menos pinturas a medida que su salud se deterioró. Sus últimos cuadros conocidos son Contemplation y Nu Sur La Plage (“Desnudo en la playa”), ambos terminados en los meses previos a su muerte. Nu Sur La Plage es especialmente significativo, ya que marca una desviación del estilo habitual de las escenas clásicas de Godward con ropa fina y superficies de mármol. Para entonces, el estilo clásico de Godward se consideraba extremadamente pasado de moda, pero aparentemente se sentía incapaz de cambiar. En diciembre de 1922, se quitó la vida, escribiendo en su nota de suicidio que el mundo no era lo suficientemente grande para él y Picasso.

NICOLAS DE STAEL

Nicolas de Stael fue un prolífico artista abstracto francés, produciendo miles de pinturas y dibujos en el transcurso de una carrera relativamente corta. En los últimos cinco meses de su vida, produjo 147 pinturas , la última de las cuales fue Blue Nude Lying , que se completó en 1955. En marzo de ese año, se suicidó saltando de un alto edificio en Antibes, dejando su último trabajo, Le Concert , sin terminar. Él tenía 41 años. Le Concert fue la pintura más grande y ambiciosa de Stael, midiendo seis metros (20 pies) por 3.5 metros (11.5 pies). Cuenta con un piano de cola y un contrabajo en un piso plagado de hojas de música, haciendo referencia al hecho de que estos dos instrumentos tradicionalmente no se retiran del escenario después de que termina el concierto. De Stael se inspiró en un concierto al que había asistido la noche anterior, corriendo a casa y trabajando en la pintura todo el día siguiente, hasta que la mala luz hizo imposible continuar. Luego quemó todos sus bocetos y saltó a su muerte . Poco antes de morir, escribió: “No tengo la fuerza para completar mis pinturas”

 

JOHN MINTON

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El trabajo final del pintor e ilustrador John Minton todavía estaba incompleto cuando se suicidó en enero de 1957. La pintura sin terminar representa a un hombre gravemente herido rodeado de espectadores angustiados. El día anterior a la muerte de Minton, el pintor Ruskin Spear lo visitó en su estudio y le dijeron que había identificado a la figura moribunda con el actor de Hollywood James Dean , que había muerto dos años antes en un accidente automovilístico a la edad de 24 años.Spear creía que James Dean representaba el sufrimiento de la generación más joven, con lo que Minton estaba muy relacionado. Sin embargo, la verdadera identidad de la figura moribunda es discutible. Se ha sugerido que una inspiración más directa para la pintura fue un accidente automovilístico similar que Minton presenció en Barcelona y luego se identificó con Dean. El suicidio de Minton fue provocado por su depresión y una pérdida de confianza después de que el auge del arte abstracto causó la declinación de la popularidad de su trabajo. Aunque la pintura está claramente sin terminar, hay indicios de que Minton no tenía intención de seguir trabajando en ella, diciéndole a un amigo que le preocupaba convertirla en “otra pintura de Johnny Minton”.

MARK ROTHKO

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La reputación de Mark Rothko como artista abstracto descansa en gran medida en sus famosas pinturas de rectángulos de colores vibrantes . Estos trabajos fueron ampliamente elogiados por su uso del color para provocar respuestas emocionales. Pero Rothko despreciaba tales alabanzas y aparentemente deseaba tomarse más en serio como artista y no solo como colorista. Insistió en que solo le importaba representar emociones y que “no estaba interesado en la relación de color o forma ni en ninguna otra cosa”.Hacia el final de su vida, sus pinturas se volvieron más suaves y desoladas, muy probablemente en un intento de desafiar su reputación pública. Su serie final de trabajos fue ” Las Pinturas Negras “, la mayoría de las cuales consistió en un lienzo negro y gris con una división horizontal y un borde blanco delgado . Según la propia admisión de Rothko, las pinturas son sobre la muerte. Poco después de separarse de su esposa y sufrir una depresión severa, Rothko se suicidó cortándose las venas en su estudio de Nueva York en 1970.

CONSTANCE MAYER

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Aunque Constance Mayer se suicidó mientras trabajaba en Une Famille Dans La Desolation (” A Miserable Family “), no está inconclusa. Fue completado por Pierre-Paul Prud’hon, socio de Mayer en uno de los asuntos más famosos y condenados de la historia del arte. En 1803, cuando Prud’hon era uno de los pintores más famosos de Francia y Mayer era un artista joven en ascenso, pronto se convirtieron en colaboradores cercanos , hasta el punto en que se dice que es difícil decir dónde termina su trabajo y dónde comienza. Como Prud’hon prefería dibujar a la pintura, a menudo dibujaba el diseño de una pintura y Mayer la terminaba al óleo. Como Prud’hon era más conocido (y era un hombre), a menudo se vendía solo como su trabajo, incluso los propietarios reemplazaron su nombre por el suyo para obtener un mejor precio. Aún así, Mayer tuvo éxito por derecho propio y mantuvo un estudio en la Sorbona.

Hubiera sido una pareja perfecta, pero Prud’hon ya tenía una miserable familia propia. Él y su esposa en realidad tuvieron seis hijos, aunque el matrimonio fue tan infeliz que tuvo un colapso y finalmente murió en un hospital psiquiátrico. En una versión de la historia, Prud’hon le prometió a su esposa en su lecho de muerte que nunca volvería a casarse, devastando a Constance. Otros sugieren que el gobierno requisando su estudio Sorbonne la empujó al límite. De cualquier manera, el 26 de mayo de 1821, Mayer se cortó la garganta con la afeitadora de afeitar de Prud’hon. Devastado, Prud’hon fallecería dos años más tarde, pero no antes de completar su colaboración final, un retrato de una familia afligida.

 

JEAN MICHEL BASQUIAT

 

Jean-Michel Basquiat comenzó su carrera artística en su adolescencia, como artista de graffiti en Manhattan, antes de pasar a la pintura más adelante en la vida. Su trabajo rápidamente atrajo la aclamación generalizada por su profundidad y composición, y Basquiat fue pronto el brindis del mundo del arte. Desafortunadamente, el artista también estaba luchando con una adicción a la heroína y murió de una sobredosis de “speedball” (esencialmente una mezcla de heroína y cocaína) cuando solo tenía 27 años. Basquiat fue prolífico y no está claro exactamente cuál es su pintura final. Pero uno de los posibles candidatos parece ser Riding with Death , que se completó en los meses previos a su suicidio en 1988. El trabajo presenta a una criatura esquelética a horcajadas sobre una figura humana. Aunque gran parte del último trabajo de Basquiat ha sido criticado por ser perezoso y excesivamente comercial, Riding With Death sigue siendo un firme favorito crítico, con algunas críticas que lo vinculan con el concepto de posesión espiritual (“ser montado”) en el vudú haitiano. Otros contendientes por el título de la última pintura de Basquiat son Eroica II , Los dingos que estacionan sus cerebros con su chicle , y La mecánica que siempre tiene un engranaje que sobra.

MIRA ESTE LINK: EL 9 DE FEBRERO LA MUESTRA DE CESAR LOPEZ CLARO”EL CORAZON DE LA MONTAÑA

RICHARD GERSTL

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Richard Gerstl produjo posiblemente su mejor trabajo mientras estaba involucrado en una aventura secreta escandalosa con Mathilde, la esposa del famoso compositor Arnold Schoenberg. Durante el romance, Gerstl pintó desnudos múltiples tanto de él mismo como de Mathilde . Después de ser descubiertos juntos en “una posición comprometedora”, la pareja huyó del marido de Mathilde y continuaron su relación. Desafortunadamente para Gerstl, Mathilde finalmente lo dejó y regresó a Schoenberg “por el bien de los niños”.Angustiado por esto, Gerstl se quitaría la vida en noviembre de 1908, a la tierna edad de 25 años. Para hacer la obra, primero se apuñaló en el torso. Cuando esto falló, se colgó frente a un espejo en su nuevo estudio, rodeado de sus pinturas. Su última pintura conocida fue Desnudo autorretrato con paleta , completada en septiembre de 1908, que muestra un enfermizo Gerstl pálido y delgado sobre un fondo azul vivo. Las pinceladas largas e irregulares aparentemente indican que la pintura fue creada rápidamente , reflejando el estado agitado del artista en ese momento.

ARSHILE GORKY

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Arshile Gorky era un pintor expresionista abstracto que trabajaba predominantemente con formas y colores simples para expresar el significado. En los años previos a su muerte, Gorky soportó muchos eventos desafortunados y trágicos. En 1946, un incendio estalló en su estudio y muchas de sus mejores pinturas fueron quemadas en cenizas. En las semanas posteriores a esto, su salud se deterioró y le diagnosticaron cáncer. Poco después, descubrió que su esposa Agnes lo había estado engañando con otro artista. La pareja se separó, y Agnes se mudó con sus dos hijas.En 1947, Gorky produjo numerosas pinturas, incluyendo Agony , The Plough And The Song , y The Limit And The Beginning , cualquiera de las cuales podría decirse que fue su última obra . La agonía es quizás la más interesante, ya que solo puede entenderse en relación con el inmenso sufrimiento de Gorky poco antes de su muerte. El ardiente color rojo, que Gorky rara vez usó antes de Agony , es muy probablemente una referencia al incendio que destruyó su estudio. En 1948, la trágica racha de mala suerte de Gorky llegó a un clímax devastador cuando se rompió el cuello en un accidente automovilístico, paralizando su brazo de pintura. Incapaz de trabajar, se suicidó en su estudio un mes después.

 

VINCENT VAN GOGH

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Se dice erróneamente que el siniestro y misterioso Wheatfield With Crows es el último cuadro de Vincent van Gogh. Aunque ciertamente fue una de sus pinturas finales, el análisis académico de las letras del artista indica que Wheatfield With Crows se completó unas dos semanas antes de su suicidio en julio de 1890. Eso significa que la última pintura de Van Gogh fue probablemente el Jardín de Daubigny , una de las tres obras que representa el gran jardín de Charles-François Daubigny, un pintor que Van Gogh admiró profundamente.

La idílica escena del jardín es un agudo contraste con el campo de trigo más oscuro con cuervos , que no ofrece indicios aparentes del tormento mental de van Gogh. En la mañana del 27 de julio de 1890, Van Gogh salió afuera a pintar, aparentemente llevando un arma cargada con él. Luego intentó suicidarse disparándose en la cabeza, aunque la bala no pudo matarlo. Murió dos días más tarde en presencia de su hermano, a la edad de 37 años. Van Gogh nunca logró ningún éxito o fama real antes de su muerte prematura y, como resultado, su madre se deshizo trágicamente de una gran cantidad de su trabajo.

Daniel Otero|Concierto en el Paraninfo de la UNL homenaje Esteban Laureano Maradona

Fundador del Museo ferroviario año 1994.

Fundador de la Sala Candace, año 2010

Fundador del Espacio La Casona, año 2015

Nota de Felicitaciones del premio Nobel de la Paz Alfredo Perez Esquivel año 2010

Distinción como compositor provincia año 1995 |

Medalla de plata al mejor promedio Egreso año 1988

Nota de felicitaciones del Gobernador Jorge Obeid año 2001 Sitio Web del ferrocarril

Capacitación Taller Aula Drag Queen. Año 2017. Reina Heels. Museo R.G.De Rodríguez.

Acto de apoyo a los jóvenes del Birri. Plaza Soldado Año 2013

Capacitación Taller “Ver y Coleccionar”, Año 2017. Museo Rosa Galisteo de Rodríguez.

Capacitación Taller Laboratorio Arte + Educación. Florencia Magril. Año 2017. M.R.G.de Rodríguez

Capacitación Taller “Introducción a la Estética Electrónica”, F.Gloriani. año 2017. Museo R.G.de Rodríguez

Curso de Verano Taller de Fotografía en ATE año 2015- Profesora Carolina Niklison

Tecnologías digitales y obras de arte con los chicos de la comunidad mocoví. Tostado año 2010

Presentación Software Interactiv en el BarCamp de ATE año 2011

Seminario Códigos del Arte contemporáneo Año 2013 – STELLA ARBER .M.A.C. de la U.N.L

Seminario Filosofía y Arte. Año 2013. M.A.C. de la U.N.L. ANA ALDABURU

Ensayo junto a jóvenes de la Escuela Almirante Brown con Orlando Veracruz año 1994

Seminario Códigos del arte contemporáneo año 2014. Prof. Stella ARber. M.A.C. de la U.N.L

Participacion en la F.A.V.E., Año 2014.

Seminario Privacidad y vigilancia entornos digitales. Año 2015. Fundacion Via Libre

Participación en el Sem. Filosofía y Arte. Año 2014. Prof. ANA ALDABURU. M.A.C. de la U.N.L

Taller de trabajos junto a Jóvenes en Crespo, año 2014. Escuela Walter Heinze

Curso de “Estéticas de lo Extremo”, con Gabriel Valansi y Elena Oliveras. Esc. Prof. Juan Mantovani

Fundación Vía Libre|Arte y cultura en circulación. Año 2014

Intervención en la Legislatura de Santa fe, año 2012, y Zonas Adyacentes. 200 años de la Bandera Argentina

Taller de arte Urbano junto a Jóvenes en Crespo, E.R., año 2014. Escuela Walter Heinze

Trabajo final año 2014 sobre Transhumanismo. Aprobado. Docente Stella Arber. M.A.C. de la U.N.L.

Trabajo final año 2015 sobre “el cuerpo humano, interacciones, texturas” Docente Stella Arber. M.A.C. de la U.N.L.

Alliance Francaise. Año 2009, participación en Maratón Cultural.

 

Fundador de la Orquesta municipal.

Músico sinfonico Invitado y de refuerzo ocasiones especiales (Aleluya de Haëndel), (Sinfonía 1812 de Piotr Illich Tschaicovsky 1983 Colegio Adventista del Plata con la Sinfónica de Entre Ríos y Paraná.

|Cosquín 85, 86, 88. Con Leòn Gieco y Eduardo Falú.

Medalla de plata 1988 al mejor promedio Liceo Municipal de Santa fe

Marcela Kloosterboer| Performance 2008 en Buenos Aires

El Museo López Claro presenta “El Corazon de la montaña”

Cultura Provincial. La deuda con el norte santafesino

Daniel Otero en la comunidad mocoví de Tostado

Club Del VHS en el Mercado Progreso

Adoratrices visita los museos|Año 2007

Tamara de Lempicka|la pintora polaca del desnudo y el Art -Decó

La historia de Tinder. Desde el principio hasta nuestros días

Museos cerrados en Santa fe-Opinión de Guillermo Aleu

VINCENT VAN GOGH|PORQUE VEÍA AMARILLO

Jean Van Roesgen| Mas allá del daltonismo

SUMA celebra el dia internacional del músico

Leticia Polaco en Elsi Del Río Arte Contemporáneo

Hanna Hösch| Primera mujer pintora que incluyó el dadaismo

Fotografía -técnica pictorialista del siglo XIX y XX

La prematura muerte de Egon Schielle

Roberto Aguirre Molina-Su Obra en el López Claro

JORGE TAVERNA IRIGOYEN VISITO A DANIEL OTERO

Domingo Sahda. Año 2014 en el Centro Cultural Experimental

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Escritores pintados por sus hermanos

Concierto Coral en la Legislatura

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Soledad frente a la escuela

Jovenes de la Prefectura

Feria popular en Santa fe

Acampe y protesta social

Cuando protesta el obrero

Caballito a salvo

Silla abandonada

Obreros pavimentando

Por el Boulevard

Artistas protestando

Iglesia de Guadalupe

Antiguo Liceo Municipal

La Salle Jobson

Patrimonio abandonado

Carro de venta callejero

Pescador Callejero

 

Manual para una crítica en la época de la posverdad
1 – Su nombre no necesariamente debe figurar dentro de los personajes con un grado considerable de influencia en el medio artístico. No es un requisito que su voz esté autorizada,como tampoco lo es tener una hoja de vida hiperextensa para presentar sus ideas a una audiencia.

2 – Mantenga una posición relativamente independiente de las instituciones. Si bien es difícil hablar sobre cualquier tema sin estar inmerso en el mismo, al hacer crítica, es preferible que la posición que usted ocupa no interfiera con el libre desarrollo y publicación de sus ideas. Eso no quiere decir que al tener vínculos con instituciones se deba renunciar a la crítica, por el contrario, es una razón para que sus argumentos se desarrollen con una mayor consciencia y responsabilidad con la audiencia.

3 – Encuentre una plataforma de divulgación con la que usted esté cómodo. Desde la típica publicación impresa que puede hacer circular entre sus amigos pasando por las páginas web, blogs y foros de discusión hasta las nuevas redes como Facebook, Twitter o Instagram. Cualquiera es válida en esta actualidad hiperglobalizada donde cualquier opinión es capaz de transgredir los límites geográficos en cuestión de segundos. Tenga en cuenta que todo lo que diga puede ser usado en su contra, pero tranquilo, las polémicas en la época de la posverdad no suelen durar más de un día especialmente en Twitter. Una vez haya seleccionado su medio, escriba -o twitteé- ideas valiosas que hagan al público reflexionar así sea durante dos segundos de su vida.

4- Elija con sabiduría. Probablemente no sea la mejor idea hablar sobre esa exposición de ese artista que no soporta. Hacer crítica y hablar mal de algo o alguien no son sinónimos. En últimas, llamar la atención resaltando lo menos virtuoso de una situación resulta fácil -se llama amarillismo- pero mantener el interés de su público al exaltar las bondades de la obra a la vez que se intenta transmitir la experiencia que tuvo al estar allí, presenciándola, es lo que cualquier crítico debería proponerse: un reto. Elija con sabiduría. Plantéese retos.

 

5 – Evite la codicia, no se puede tener todo como tampoco se puede hablar de todo. Al asumir un rol de crítico debe entender que tiene limitaciones (humanas específicamente), por lo que, le va a ser imposible salir de una inauguración en el centro de la ciudad para ir al lanzamiento de cierta publicación en el norte a la misma hora. Siga su intuición y seleccione aquellas situaciones que le parezcan valiosas. Acepte que no todos los eventos van a ser increíbles y que muy probablemente habrá semanas -tal vez meses- en los que ninguna obra o artista moverán las fibras más internas de su ser para motivarlo a escribir de manera obsesiva sobre ello.

 

6 – No hable de más. En esta práctica menos es más. No necesita una introducción de tres párrafos para hablar de ese detalle ínfimo que captó su atención durante toda la visita. Ocúpese de lo más importante -de su idea principal- de entrada. No le enrede la vida al lector que ya bastante tiene con no entender el arte per se.

 

7 – Humildad ante todo. Un crítico es una persona pensando y escribiendo, que puede cometer errores o cambiar de opinión. Entienda que, así como usted tiene el valor de publicar sus ideas sobre una situación en específico, también debe tenerlo a la hora de haber cometido un error y pedir públicamente disculpas. No dé las cosas por hecho, permítase dudar y dé lugar a la duda en sus textos. Hacer crítica no es un absoluto, es un inicio a las múltiples lecturas que el arte permite.

 

8 – Escribir es saber escoger palabras. El lenguaje es un arma de doble filo. Así como puede facilitar la tarea el seleccionar las palabras adecuadas también puede ser el fin de sus días como crítico el uso de términos incomprensibles e irrespetuosos. Haga uso de un lenguaje que atraiga, que quiera ser leído y no de uno que imponga una barrera entre usted y su audiencia. No se trata llenar sus textos de ornamentos lingüísticos, pero sí de hacer amena la lectura a la vez que se presenten ideas claras, concisas y con un estilo ojalá propio.

 

9 – Autoedítese.

 

10 – Disfrúteselo. Disfrute su ida al museo que no visita hace diez años o a la galería de un colega, el performance que lo pone nervioso, la instalación que lo invita a acercarse, el juego de palabras que usa el artista, ese color sienna que siempre le ha gustado y no se explica el porqué, las tertulias que se forman alrededor del evento, los sentimientos que cada cosa le generan. Disfrútelo, experiméntelo, organícelo, escríbalo y publíquelo.

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