Entre finales del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX, los fotógrafos «pictóricos» utilizaron diferentes técnicas para crear una imagen pictórica a partir de las fotografías. La intención era elevar la fotografía tanto como la pintura y la escultura. A esto se lo llamó técnicas pictorialistas.
ESTAS FUERON LAS TECNICAS
Caucho bicromatizado: una hoja de papel se cubre con una capa delgada de una solución de goma arábiga y un pigmento de su elección. Con la exposición, en contacto con el negativo, la goma arábiga se vuelve insoluble proporcionalmente a la luz recibida. La lámina se sumerge luego en agua fría en la que se funde la goma no expuesta, y con ella se elimina también el pigmento.
Ozotipia:
es un proceso patentado en 1899. Una lámina cubierta con gelatina se sensibiliza con una solución bicrómica y sal de manganeso. Después de la exposición a un contacto negativo, la lámina se pone en contacto con una hoja de papel con un pigmento impregnado de una solución de ácido acético e hidroquinona. Esto da como resultado el endurecimiento de la gelatina pigmentada proporcionalmente a los cambios producidos por la luz sobre la capa que contiene el bicrómico. La imagen finalmente se revela por medio de agua caliente.
BRICROMATIA
Oleotipo:
descrito en 1904, consiste en una hoja de papel, cubierta con una gruesa capa de gelatina, sensibilizada con el bicrómico y expuesta a la luz bajo un negativo. Con la exposición, la gelatina se endurece proporcionalmente a la luz recibida. Después de un largo lavado en agua fría, la lámina se seca superficialmente y, aún húmeda, se tinta con una tinta grasosa por medio de un rodillo o un cepillo especial.La tinta se adherirá a las partes más endurecidas y será rechazada por aquellos que estén más hinchados con agua.
Bromolium: esta técnica se introdujo en 1907. Una ampliación en papel comercial plateado se blanquea con un baño que causa el endurecimiento simultáneo de la gelatina.
Bromolium
Después de hincharse en agua fría, puede continuar con la investigación en cuanto al oleotipo.
Transferencia de bromolium:
el procedimiento comienza desde una ampliación en papel hasta el bromuro de plata blanqueado por un baño químico que causa el endurecimiento simultáneo de la gelatina. Después de la hinchazón en agua fría, es posible proceder con el entintado, obteniendo así un ruido que, en la versión de «transferencia», se mostrará en el papel de dibujo usando una prensa de grabado.
CIANOTIPIA
Ozobromia (proceso Carbro):
es un proceso patentado en 1906. Se empapa entonces con plata de impresión en una solución por medio de la cual, se pone en contacto cercano con una tarjeta a la gelatina / pigmento, lo cual provoca el endurecimiento de la gelatina pigmentada proporcionalmente a la cantidad de artículos en la prensa. Un lavado con agua caliente elimina la gelatina no endurecida por la acción del baño.
Resinotype: es un prorceso patentado en 1922. Una hoja de papel, cubierta con una gruesa capa de gelatina, se sensibiliza con los dos tonos y se expone a la luz en forma positiva. Con la exposición, la gelatina se comporta como un oleotipo.
OLEOTIPIA
Después de un largo lavado en agua fría, la lámina se sumerge durante unos minutos en agua caliente para que la gelatina alcance su máxima hinchazón. La hoja se seca sobre la superficie y se rocía, por medio de un cepillo suave, un polvo compuesto por una fusión de la resina y el pigmento.
Impresión de carbón o pigmento: una hoja de papel cubierta con una capa de gelatina pigmentada se sensibiliza con dicromacidad y se expone al contacto con un negativo. Después de la exposición, la lámina se acopla a otra, se cubre con gelatina endurecida y se coloca debajo de los pesos para que las dos capas de gelatina se unan. Este compuesto se sumerge en agua caliente: la gelatina no expuesta se derrite permitiendo que se elimine el papel que soporta la gelatina pigmentada.
OZEOTIPIA
Impresión de platino / impresión de paladio: es un proceso patentado en 1873, pero solo se practicó alrededor de 1880 con el nacimiento de Platinotype Company. El papel está sensibilizado con una sal de hierro y contiene una sal de platino.
Con la exposición al contacto con un negativo, el hierro reacciona a la luz y con los baños posteriores provoca la formación de una imagen que consiste en platino finamente dividido, de color negro. Al ser un metal inalterable, la impresión mantiene inalterados los matices originales, a diferencia de las impresiones plateadas que pueden deteriorarse.
OZOBROMIA
Debido a los altos costos del platino, en 1916 comenzó a usar paladio, que era menos costoso. La característica de inalterabilidad permanece, pero los tonos de las impresiones tienden a dorarse.
Impresión morena Van Dyke: es un tipo de impresión que se utilizó para reproducir a principios del siglo XX preguntas de gran formato y bajo costo para la reproducción de documentos. La solución sensible consiste en una sal de nitrato de hierro y plata. En contacto con un negativo, se forma una imagen que solo requiere agua para su completo desarrollo, seguida de un baño de fijación suave.
Papel salado: es uno de los primeros procesos fotográficos de impresión, covalente con el daguerrotipo. Una hoja de papel se impregna con una solución de cloruro de sodio, y posteriormente se vuelve sensible cepillándola con nitrato de plata. Expuesto a la luz en contacto con un negativo, se forma una imagen que requiere solo un lavado en agua y una fijación. La imagen está hecha de plata metálica finamente dividida y, por esta razón, se somete fácilmente a la degradación pero que se puede prevenir mediante un cambio en el oro.
SALATA
Cianotipo: es una técnica que data de 1842, pero nunca se usó durante muchas décadas debido al color azul, poco apreciado. Se utilizó para hacer copias de documentos de los años 80 del siglo XIX hasta los años 30 del siglo XX, o para hojas de contactos. Sin embargo, algunos fotógrafos todavía usan esta técnica solos o en combinación con la impresión de platino / paladio.
El papel se prepara con una solución de citrato férrico y ferrocianuro de potasio. Una vez expuesto, se somete suficientemente a un lavado con agua.
Autocromía: es el primer proceso de color fácilmente practicable, comercializado por los hermanos Lumière en 1907 y consiste en una diapositiva sobre vidrio. Un polvo hecho de gránulos de almidón coloreados con los tres colores complementarios se adhiere sobre una placa de vidrio. Los intersticios se cierran con negro de humo y se completa con la colocación de una capa de gelatina de bromuro de plata pancromática. La placa se desarrolló de la misma manera que la diapositiva b / w de la misma manera que se pudo observar.
Como podemos ver, la historia de la fotografía se entremezcla con la pintura, la escultura y técnicas mixtas, en su afán de lograr un relieve de la imagen positivada.
Daniel Otero|Concierto en el Paraninfo de la UNL homenaje Esteban Laureano Maradona
Fundador del Museo ferroviario año 1994.
Fundador de la Sala Candace, año 2010
Nota de Felicitaciones del premio Nobel de la Paz Alfredo Perez Esquivel año 2010
Distinción como compositor provincia año 1995 |
Medalla de plata al mejor promedio Egreso año 1988
Nota de felicitaciones del Gobernador Jorge Obeid año 2001 Sitio Web del ferrocarril
Capacitación Taller Aula Drag Queen. Año 2017. Reina Heels. Museo R.G.De Rodríguez.
Acto de apoyo a los jóvenes del Birri. Plaza Soldado Año 2013
Capacitación Taller “Ver y Coleccionar”, Año 2017. Museo Rosa Galisteo de Rodríguez.
Capacitación Taller Laboratorio Arte + Educación. Florencia Magril. Año 2017. M.R.G.de Rodríguez
Curso de Verano Taller de Fotografía en ATE año 2015- Profesora Carolina Niklison
Tecnologías digitales y obras de arte con los chicos de la comunidad mocoví. Tostado año 2010
Presentación Software Interactiv en el BarCamp de ATE año 2011
Seminario Códigos del Arte contemporáneo Año 2013 – STELLA ARBER .M.A.C. de la U.N.L
Seminario Filosofía y Arte. Año 2013. M.A.C. de la U.N.L. ANA ALDABURU
Ensayo junto a jóvenes de la Escuela Almirante Brown con Orlando Veracruz año 1994
Seminario Códigos del arte contemporáneo año 2014. Prof. Stella ARber. M.A.C. de la U.N.L
Participacion en la F.A.V.E., Año 2014.
Seminario Privacidad y vigilancia entornos digitales. Año 2015. Fundacion Via Libre
Participación en el Sem. Filosofía y Arte. Año 2014. Prof. ANA ALDABURU. M.A.C. de la U.N.L
Taller de trabajos junto a Jóvenes en Crespo, año 2014. Escuela Walter Heinze
Curso de “Estéticas de lo Extremo”, con Gabriel Valansi y Elena Oliveras. Esc. Prof. Juan Mantovani
Fundación Vía Libre|Arte y cultura en circulación. Año 2014
Taller de arte Urbano junto a Jóvenes en Crespo, E.R., año 2014. Escuela Walter Heinze
Trabajo final año 2014 sobre Transhumanismo. Aprobado. Docente Stella Arber. M.A.C. de la U.N.L.
Alliance Francaise. Año 2009, participación en Maratón Cultural.
Fundador de la Orquesta municipal.
Músico sinfonico Invitado y de refuerzo ocasiones especiales (Aleluya de Haëndel), (Sinfonía 1812 de Piotr Illich Tschaicovsky 1983 Colegio Adventista del Plata con la Sinfónica de Entre Ríos y Paraná.
|Cosquín 85, 86, 88. Con Leòn Gieco y Eduardo Falú.
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Manual para una crítica en la época de la posverdad
1 – Su nombre no necesariamente debe figurar dentro de los personajes con un grado considerable de influencia en el medio artístico. No es un requisito que su voz esté autorizada,como tampoco lo es tener una hoja de vida hiperextensa para presentar sus ideas a una audiencia.
2 – Mantenga una posición relativamente independiente de las instituciones. Si bien es difícil hablar sobre cualquier tema sin estar inmerso en el mismo, al hacer crítica, es preferible que la posición que usted ocupa no interfiera con el libre desarrollo y publicación de sus ideas. Eso no quiere decir que al tener vínculos con instituciones se deba renunciar a la crítica, por el contrario, es una razón para que sus argumentos se desarrollen con una mayor consciencia y responsabilidad con la audiencia.
3 – Encuentre una plataforma de divulgación con la que usted esté cómodo. Desde la típica publicación impresa que puede hacer circular entre sus amigos pasando por las páginas web, blogs y foros de discusión hasta las nuevas redes como Facebook, Twitter o Instagram. Cualquiera es válida en esta actualidad hiperglobalizada donde cualquier opinión es capaz de transgredir los límites geográficos en cuestión de segundos. Tenga en cuenta que todo lo que diga puede ser usado en su contra, pero tranquilo, las polémicas en la época de la posverdad no suelen durar más de un día especialmente en Twitter. Una vez haya seleccionado su medio, escriba -o twitteé- ideas valiosas que hagan al público reflexionar así sea durante dos segundos de su vida.
4- Elija con sabiduría. Probablemente no sea la mejor idea hablar sobre esa exposición de ese artista que no soporta. Hacer crítica y hablar mal de algo o alguien no son sinónimos. En últimas, llamar la atención resaltando lo menos virtuoso de una situación resulta fácil -se llama amarillismo- pero mantener el interés de su público al exaltar las bondades de la obra a la vez que se intenta transmitir la experiencia que tuvo al estar allí, presenciándola, es lo que cualquier crítico debería proponerse: un reto. Elija con sabiduría. Plantéese retos.
5 – Evite la codicia, no se puede tener todo como tampoco se puede hablar de todo. Al asumir un rol de crítico debe entender que tiene limitaciones (humanas específicamente), por lo que, le va a ser imposible salir de una inauguración en el centro de la ciudad para ir al lanzamiento de cierta publicación en el norte a la misma hora. Siga su intuición y seleccione aquellas situaciones que le parezcan valiosas. Acepte que no todos los eventos van a ser increíbles y que muy probablemente habrá semanas -tal vez meses- en los que ninguna obra o artista moverán las fibras más internas de su ser para motivarlo a escribir de manera obsesiva sobre ello.
6 – No hable de más. En esta práctica menos es más. No necesita una introducción de tres párrafos para hablar de ese detalle ínfimo que captó su atención durante toda la visita. Ocúpese de lo más importante -de su idea principal- de entrada. No le enrede la vida al lector que ya bastante tiene con no entender el arte per se.
7 – Humildad ante todo. Un crítico es una persona pensando y escribiendo, que puede cometer errores o cambiar de opinión. Entienda que, así como usted tiene el valor de publicar sus ideas sobre una situación en específico, también debe tenerlo a la hora de haber cometido un error y pedir públicamente disculpas. No dé las cosas por hecho, permítase dudar y dé lugar a la duda en sus textos. Hacer crítica no es un absoluto, es un inicio a las múltiples lecturas que el arte permite.
8 – Escribir es saber escoger palabras. El lenguaje es un arma de doble filo. Así como puede facilitar la tarea el seleccionar las palabras adecuadas también puede ser el fin de sus días como crítico el uso de términos incomprensibles e irrespetuosos. Haga uso de un lenguaje que atraiga, que quiera ser leído y no de uno que imponga una barrera entre usted y su audiencia. No se trata llenar sus textos de ornamentos lingüísticos, pero sí de hacer amena la lectura a la vez que se presenten ideas claras, concisas y con un estilo ojalá propio.
9 – Autoedítese.
10 – Disfrúteselo. Disfrute su ida al museo que no visita hace diez años o a la galería de un colega, el performance que lo pone nervioso, la instalación que lo invita a acercarse, el juego de palabras que usa el artista, ese color sienna que siempre le ha gustado y no se explica el porqué, las tertulias que se forman alrededor del evento, los sentimientos que cada cosa le generan. Disfrútelo, experiméntelo, organícelo, escríbalo y publíquelo.
Luz de Ciudad 
