A todos nos gustan las obras de Vincen Van Gogh. Y este post trata -precisamente- sobre la «visión amarilla» de Vincent van Gogh.
«Xanthopsia», es decir, un predominio amarillo en la visión, puede ser provocado por muchos trastornos que no sean el filtro de color marrón rojizo de la esclerosis nuclear, que más afectó a Monet.
El envenenamiento por una gran cantidad de drogas, incluyendo santonina, digital, fenacetina, éter, ácidos crómicos y pícricos, e incluso el veneno de serpiente se han asociado con xanthopsia.
En la época romana, Lucrecio, Varro y Casio describieron el «ver amarillo» como un estigma de los enfermos mentales, mientras que para Galeno se debió a «hiposfagma» (es decir, sangre en el humor acuoso). 1 Posteriormente, la tinción amarilla de la conjuntiva en ictericia sugirió que la bilis era la causa subyacente de xanthopsia, una opinión que se mantuvo (a pesar de que la córnea quedó sin colorear) por especuladores incluso tan tarde como Goethe (1749-1832).
Las pinturas del postimpresionista holandés Vincent van Gogh (1854-1890) son famosas por sus vívidos colores, particularmente el llamativo uso del amarillo, más evidente en sus obras posteriores, como Van Gogh, Still Life: Jarrón con quince girasoles , 1888. y The Reaper , 1889.
La existencia de Van Gogh estaba llena de tragedia y, en última instancia, autodestructiva, terminando con el suicidio a la temprana edad de 37 años. Más de 150 médicos han aventurado una variedad desconcertante de diagnósticos, que van desde el trastorno bipolar, esquizofrenia, neurosífilis, trastorno disfórico interictal, insolación, porfiria intermitente aguda, epilepsia del lóbulo temporal precipitada por el uso de absenta en la presencia de una lesión límbica temprana, a Ménière enfermedad.
Cualquiera que sea el diagnóstico exacto de van Gogh, es muy probable que después de la admisión al asilo en Saint-Rémy en 1889, su médico, el Dr. Paul-Ferdinand Gachet, le recetó medicamentos razón por la cual la historiografía médica apoya firmemente la hipótesis de que Van Gogh puede haber sufrido xanthopsia inducida por digitalis.
El uso de “digitalis” en ese momento fue indudablemente generalizado. De hecho, Samuel Hahnemann, el padre de la homeopatía, enumeró 73 indicaciones para el tratamiento con “digitalis”, incluidos «pensamientos melancólicos, hipocondría, enfermedad mental, dolor de cabeza, náuseas, vómitos, dolor en los ojos, hinchazón de los párpados, lagrimeo e inflamación del ojos ‘.
De todos modos, la pregunta sigue siendo si los lienzos de Van Gogh de hecho respaldan el diagnóstico de xantografía, o si la preponderancia del amarillo puede entenderse simplemente como un factor estilístico intencional de ciertas obras. De hecho, hay varios hechos para respaldar esta última afirmación.
«Entendemos los efectos fisiológicos de esta planta lo suficientemente bien hoy como para temer sus peligros, y desaconsejamos firmemente su uso, ya que puede producir síncope al disminuir el ritmo cardíaco y puede causar parálisis de ese órgano».
Además, es dudoso que Van Gogh hubiera sobrevivido períodos prolongados de niveles de digitalis lo suficientemente altos como para inducir xanthopsia. Al igual que con la absenta, cuando alcanzó los niveles tóxicos, no habría podido pintar.
En segundo lugar, las pinturas de Van Gogh anteriores a 1889 ya mostraban una preferencia por el amarillo. Por lo tanto, su «visión amarilla» fue evidente en varias pinturas, como su icono ‘Girasoles ‘ y muchos otros, no se puede atribuir a su supuesto tratamiento con digital en Saint-Rémy. Además, Paul Gauguin (1848-1903), que había trabajado con Van Gogh antes de cualquier avería mental importante u hospitalizaciones, comentó sobre el efecto del amarillo en una de las pinturas de girasol de Van Gogh:
«Oh, sí, amaba el amarillo, este buen Vincent, este pintor de Holanda, esos destellos de luz solar que reavivó su alma, que aborrecían la niebla, que necesitaban el calor».
Además, a pesar del predominio de los tonos amarillos en las obras de Van Gogh, hay que reconocer que el amarillo siempre se equilibra mediante el uso de azul y / o blanco, incluso si se aplica muy sutilmente (por ejemplo, en las paredes blancas de las casas distantes) en The Reaper , 1889). Con xanthopsia, los blancos y amarillos habrían sido indistinguibles para el pintor y los azules le habrían parecido verdes.
En tercer lugar, van Gogh adoraba la intensidad y el efecto de contraste de los colores en general, y estaba fuertemente influenciado por las impresiones japonesas, de las cuales tomó influencia para utilizar grandes áreas planas de colores monocromáticos y contornos fuertes (a menudo negros). Su correspondencia totalizó más de 2000 cartas que abren ventanas sobre el significado de sus obras y, de hecho, su alma.
Sus cartas explican cómo los colores en sus trabajos maduros ya no necesitan ser realistas. El motivo real ya no era de primordial importancia (como lo había sido en su trabajo inicial). En cambio, su objetivo era transmitir la sensibilidad, la vehemencia o la inquietud que emana de las combinaciones de colores. Por ejemplo, ‘The Night Café'(1888), caracterizado por su tonalidad amarilla, representa el interior anodino de un café medio vacío. Sin embargo, sus colores tienen un significado más profundo, como el artista describe en una de sus letras:
«En mi pintura de The Night Café intenté expresar la idea de que el café es un lugar donde puedes arruinarte, enloquecer, cometer crímenes. De todos modos, probé con contrastes de rosa delicado y rojo sangre y rojo vino. Suave Louis XV y Veronese verde que contrasta con verdes amarillos y verdes duros. Todo eso en un ambiente de horno infernal, en azufre pálido. Para expresar algo del poder de los rincones oscuros de un grog-shop. Y, sin embargo, con la apariencia de la alegría japonesa y la buena naturaleza de Tartarín.
En cuarto lugar, el Dr. Gachet probó la visión de van Gogh en 1889. No solo se encontró que Van Gogh tenía una excelente visión sin ayuda, tanto a corto como a distancia; su visión del color (como se probó con los materiales de visión de color utilizados para el personal ferroviario en el momento) nuevamente parecía ser perfectamente normal.
Curiosamente, algunos historiadores del arte y médicos también han sugerido que el glaucoma de ángulo cerrado subagudo puede haber sido responsable de los «halos» de Van Gogh, como se evidencia en varias pinturas, como The Night Café o The Starry Night . 8
De nuevo, esta hipótesis es altamente improbable. No hay ningún indicio en la correspondencia detallada de van Gogh que haya mencionado los síntomas asociados con el cierre del ángulo subagudo; como dolor de frente, visión borrosa o, de hecho, ver halos. Además, Van Gogh era un candidato poco probable para el cierre angular, siendo joven, blanco y ciertamente no hipermétrope.
Por último, la hipótesis más extraña presentada es que:
«El uso de Van Gogh del amarillo se considera derivado del sol, y parece estar relacionado con una ambivalencia hacia su padre, como se expresa en el culto al sol, mientras que los colores complementarios rojo y verde se correlacionaron con su bisexualidad y ansiedad de castración».
La parcialidad de Van Gogh por el amarillo ha sido de hecho objeto de mucha especulación. Sin embargo, después de una inspección y consideración minuciosa, queda claro que el esquema de color de Van Gogh siempre fue deliberado y no estaba vinculado a ningún impedimento visual.
El estudio de sus pinturas debe recordar a la audiencia no solo reflexionar sobre lo que ven, sino también considerar lo que el artista vio durante el proceso creativo. Como Edgar Degas, contemporáneo de van Gogh, conmovedoramente lo expresó:
«El arte no es lo que ves, sino lo que haces que otros vean» .
Daniel Otero|Concierto en el Paraninfo de la UNL homenaje Esteban Laureano Maradona
Fundador del Museo ferroviario año 1994.
Fundador de la Sala Candace, año 2010
Nota de Felicitaciones del premio Nobel de la Paz Alfredo Perez Esquivel año 2010
Distinción como compositor provincia año 1995 |
Medalla de plata al mejor promedio Egreso año 1988
Nota de felicitaciones del Gobernador Jorge Obeid año 2001 Sitio Web del ferrocarril
Capacitación Taller Aula Drag Queen. Año 2017. Reina Heels. Museo R.G.De Rodríguez.
Acto de apoyo a los jóvenes del Birri. Plaza Soldado Año 2013
Capacitación Taller “Ver y Coleccionar”, Año 2017. Museo Rosa Galisteo de Rodríguez.
Capacitación Taller Laboratorio Arte + Educación. Florencia Magril. Año 2017. M.R.G.de Rodríguez
Curso de Verano Taller de Fotografía en ATE año 2015- Profesora Carolina Niklison
Tecnologías digitales y obras de arte con los chicos de la comunidad mocoví. Tostado año 2010
Presentación Software Interactiv en el BarCamp de ATE año 2011
Seminario Códigos del Arte contemporáneo Año 2013 – STELLA ARBER .M.A.C. de la U.N.L
Seminario Filosofía y Arte. Año 2013. M.A.C. de la U.N.L. ANA ALDABURU
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Fundación Vía Libre|Arte y cultura en circulación. Año 2014
Taller de arte Urbano junto a Jóvenes en Crespo, E.R., año 2014. Escuela Walter Heinze
Trabajo final año 2014 sobre Transhumanismo. Aprobado. Docente Stella Arber. M.A.C. de la U.N.L.
Alliance Francaise. Año 2009, participación en Maratón Cultural.
Fundador de la Orquesta municipal.
Músico sinfonico Invitado y de refuerzo ocasiones especiales (Aleluya de Haëndel), (Sinfonía 1812 de Piotr Illich Tschaicovsky 1983 Colegio Adventista del Plata con la Sinfónica de Entre Ríos y Paraná.
|Cosquín 85, 86, 88. Con Leòn Gieco y Eduardo Falú.
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Manual para una crítica en la época de la posverdad
1 – Su nombre no necesariamente debe figurar dentro de los personajes con un grado considerable de influencia en el medio artístico. No es un requisito que su voz esté autorizada,como tampoco lo es tener una hoja de vida hiperextensa para presentar sus ideas a una audiencia.
2 – Mantenga una posición relativamente independiente de las instituciones. Si bien es difícil hablar sobre cualquier tema sin estar inmerso en el mismo, al hacer crítica, es preferible que la posición que usted ocupa no interfiera con el libre desarrollo y publicación de sus ideas. Eso no quiere decir que al tener vínculos con instituciones se deba renunciar a la crítica, por el contrario, es una razón para que sus argumentos se desarrollen con una mayor consciencia y responsabilidad con la audiencia.
3 – Encuentre una plataforma de divulgación con la que usted esté cómodo. Desde la típica publicación impresa que puede hacer circular entre sus amigos pasando por las páginas web, blogs y foros de discusión hasta las nuevas redes como Facebook, Twitter o Instagram. Cualquiera es válida en esta actualidad hiperglobalizada donde cualquier opinión es capaz de transgredir los límites geográficos en cuestión de segundos. Tenga en cuenta que todo lo que diga puede ser usado en su contra, pero tranquilo, las polémicas en la época de la posverdad no suelen durar más de un día especialmente en Twitter. Una vez haya seleccionado su medio, escriba -o twitteé- ideas valiosas que hagan al público reflexionar así sea durante dos segundos de su vida.
4- Elija con sabiduría. Probablemente no sea la mejor idea hablar sobre esa exposición de ese artista que no soporta. Hacer crítica y hablar mal de algo o alguien no son sinónimos. En últimas, llamar la atención resaltando lo menos virtuoso de una situación resulta fácil -se llama amarillismo- pero mantener el interés de su público al exaltar las bondades de la obra a la vez que se intenta transmitir la experiencia que tuvo al estar allí, presenciándola, es lo que cualquier crítico debería proponerse: un reto. Elija con sabiduría. Plantéese retos.
5 – Evite la codicia, no se puede tener todo como tampoco se puede hablar de todo. Al asumir un rol de crítico debe entender que tiene limitaciones (humanas específicamente), por lo que, le va a ser imposible salir de una inauguración en el centro de la ciudad para ir al lanzamiento de cierta publicación en el norte a la misma hora. Siga su intuición y seleccione aquellas situaciones que le parezcan valiosas. Acepte que no todos los eventos van a ser increíbles y que muy probablemente habrá semanas -tal vez meses- en los que ninguna obra o artista moverán las fibras más internas de su ser para motivarlo a escribir de manera obsesiva sobre ello.
6 – No hable de más. En esta práctica menos es más. No necesita una introducción de tres párrafos para hablar de ese detalle ínfimo que captó su atención durante toda la visita. Ocúpese de lo más importante -de su idea principal- de entrada. No le enrede la vida al lector que ya bastante tiene con no entender el arte per se.
7 – Humildad ante todo. Un crítico es una persona pensando y escribiendo, que puede cometer errores o cambiar de opinión. Entienda que, así como usted tiene el valor de publicar sus ideas sobre una situación en específico, también debe tenerlo a la hora de haber cometido un error y pedir públicamente disculpas. No dé las cosas por hecho, permítase dudar y dé lugar a la duda en sus textos. Hacer crítica no es un absoluto, es un inicio a las múltiples lecturas que el arte permite.
8 – Escribir es saber escoger palabras. El lenguaje es un arma de doble filo. Así como puede facilitar la tarea el seleccionar las palabras adecuadas también puede ser el fin de sus días como crítico el uso de términos incomprensibles e irrespetuosos. Haga uso de un lenguaje que atraiga, que quiera ser leído y no de uno que imponga una barrera entre usted y su audiencia. No se trata llenar sus textos de ornamentos lingüísticos, pero sí de hacer amena la lectura a la vez que se presenten ideas claras, concisas y con un estilo ojalá propio.
9 – Autoedítese.
10 – Disfrúteselo. Disfrute su ida al museo que no visita hace diez años o a la galería de un colega, el performance que lo pone nervioso, la instalación que lo invita a acercarse, el juego de palabras que usa el artista, ese color sienna que siempre le ha gustado y no se explica el porqué, las tertulias que se forman alrededor del evento, los sentimientos que cada cosa le generan. Disfrútelo, experiméntelo, organícelo, escríbalo y publíquelo.
Luz de Ciudad 
